Robots gigantes invaden Montevideo!
Un cortometraje de 5 minutos dirigido y animado por Fede Alvarez.

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Hace cuarenta años, el 3 de abril de 1968, se estrenó en Nueva York la película 2001: una odisea del espacio, basada en un relato corto de Arthur C. Clarke, y el género cinematográfico de la ciencia-ficción nunca volvió a ser el mismo. Por esas casualidades del destino, Clarke falleció hace pocas semanas, el 19 de marzo del 2008. Sin embargo, su visión del futuro de la humanidad, transmitida en una abundante producción de libros, le sobrevivirá durante mucho tiempo, y uno de sus grandes legados será dicha película.

El 31 de marzo de 1964 el director de cine Stanley Kubrick escribió una carta a Clarke, entonces un conocido escritor de ciencia-ficción, en la que decía, entre otras cosas, “…Soy un gran admirador de sus obras desde hace bastante tiempo y siempre quise discutir con usted la posibilidad de hacer una película proverbial de ciencia ficción “realmente buena” (…) ¿Le interesaría venir (a Nueva York) con vistas a una reunión cuya finalidad sería determinar si podría existir o surgir una idea que nos atrajera lo suficiente a ambos como para querer colaborar en un guión?”.

Finalmente, Clarke y Kubrick llegaron a un acuerdo sobre el número de historias que podían conformar una base prometedora. La base del guión sería el relato corto “El centinela”, que cuenta como unos exploradores hallan en la Luna una pirámide, evidencia de una visita extraterrestre del Sistema Solar en el pasado. Ésta parece ser una especie de alarma, dejada por los extraterrestres para ser encontrada por una civilización lo suficientemente avanzada tecnológicamente como para interpretarla correctamente.

El resto, como se suele decir en estos casos, es historia. El encuentro entre la película y la prensa no fue lo que se llama un amor a primera vista. Las críticas se caracterizaron por ser, mayoritariamente, de malas a terribles. Reconocían pertinentemente un mérito a sus valores estéticos, pero reprochaban lo que era visto como una autoindulgencia del director al contar de forma grandiosa una historia simple y confusa.

Cuando parecía que toda la producción sería un fracaso, la gente del departamento de publicidad de la Metro Goldwyn Mayer se dio cuenta de que la asistencia a los cines se mantenía constante, e incluso en algunos casos aumentaba. Se trataba de un público joven, que durante la última parte de la película parecía fumarse cierto tipo de sustancias de propiedades alucinógenas. Consecuentemente, se cambió la publicidad de la película de modo a enfatizar sus aspectos más psicodélicos. Si uno quería estar a la última, era necesario visualizar 2001.

En la cartelera, las semanas se transformaron en meses, lo que dio tiempo a algunos críticos influyentes de tomar nota de lo que estaba pasando, visionar de nuevo la película, y cambiar de opinión. En una época donde todo transcurría más lentamente, ésta se mantuvo en cartel durante más de dos años en algunos cines. Pasado este tiempo, ya había dando beneficios a la MGM. La película había triunfado.

Pero, ¿de qué habla 2001: una odisea en el espacio? Existen muchas interpretaciones distintas. Es una reflexión sobre el origen de la humanidad, así como del lugar que ésta ocupa respecto al Universo. También presenta un escenario plausible para la evolución de lo que en la película son llamadas “máquinas inteligentes”, y ahora conocemos como “inteligencia artificial”. Y, finalmente, muestra el primer encuentro de la raza humana con una civilización extraterrestre, un suceso que escapa a nuestra comprensión. Sin embargo, analizándola de una manera más sencilla, busca dar una visión realista del futuro de la exploración del espacio y la evolución de la ciencia de la informática en la llegada del nuevo milenio.

2001 fue rodada en el apogeo de los que podría llamarse la primera era de los viajes espaciales tripulados. Un año después llegó el hombre a la Luna, pero una vez logrado este hito sólo se realizaron unos pocos viajes más antes de cancelar el programa Apolo que los hacía factibles. Los viajes tripulados se limitaron entonces a la orbita terrestre baja. Pero a los entusiastas de esa época no les parecía descabellada la idea de que en el año en que está ambientada la película fuera posible viajar a otros planetas y bases lunares permanentes. Falló la comprensión de que, para lograr esa presencia en el espacio, era necesario primero, como para cualquier tecnología, el desarrollo de una infraestructura básica que, en el caso de los viajes espaciales, requiere la inyección de enormes cantidades de dinero. En la actualidad un caso análogo es el desarrollo de la sociedad de información, para el cual ha sido necesario una gran inversión en instalaciones de telecomunicaciones: torres para telefonía móvil, fibra óptica para el transporte de señales de internet, satélites y fibras para comunicaciones intercontinentales… Sólo después de dicha inversión se ha observado un crecimiento exponencial en la tecnología.

Respecto a la inteligencia artificial en 2001, también encontramos entusiasmo y el hecho de subestimar los retos a vencer para su desarrollo. El computador Hal 9000 representa la idea simple de que el resultado inevitable del desarrollo del soporte físico consiste en el logro de máquinas inteligentes. La potencia de cálculo y el hardware han evolucionado de una manera quizá más poderosa de lo que podría haberse imaginado en la época de la película. El ordenador se ha convertido en un elemento imprescindible en nuestra vida, y la miniaturización permite que se encuentre en cualquier lugar. Una típica casa moderna puede tener en su interior cuatro o cinco ordenadores. Y, sin embargo, ninguno de ellos puede considerarse como un compañero de la familia. Aquí el problema radica en que es mucho más difícil llegar a la inteligencia artificial de lo imaginado. Por supuesto, ahora hay sistemas que reconocen la voz, reciben instrucciones y contestan (como cualquiera sabe cuando se trata de contactar con un número de servicios de una compañía de telecomunicaciones), computadores que juegan y ganan al ajedrez (incluso al campeón del mundo), pequeños aparatos que guían coches… Pero aún estamos a muchos años, quizá, de máquinas que puedan mantener una conversación “humana” con una persona. Una maquina con conciencia de sí misma, el objetivo final de la inteligencia artificial, parece ser aún un sueño lejano.

Esto no implica que 2001 no sea una película remarcable por su plausibilidad científica: lo es. Por ejemplo, la estación espacial posee forma de rueda, que es el diseño clásico necesario para generar una gravedad artificial por el efecto de la aceleración centrífuga que sienten sus ocupantes y que los empuja hacia el exterior (el “piso”) de la rueda. De hecho, la nave “Discovery” tiene una centrifugadora, pues es una medida necesaria para mantener el correcto estado físico de los astronautas en las misiones de larga duración. Asimismo, en la película los personajes vuelan al espacio con naves parecidas a transbordadores espaciales. Sin embargo, como en la órbita de la Tierra las formas aerodinámicas ya no son necesarias, las naves que viajan a la Luna y a otros planetas, construidas en una ambiente de gravedad cero, tienen formas redondeadas o estructuras frágiles.

Por supuesto, se realizaron “arreglos” realizados para un mejor visionado de la película, como ocurre con la no completa oscuridad del espacio interplanetario, en el cual se debería mostrar un mayor contraste entre sombras y luz. Además, en las escenas que transcurren en la Luna parece que su gravedad sea similar a la terrestre, lo que no es cierto. Pese a todo, 2001 es lo más parecido al documental que, sin duda, se rodará cuando exploremos el espacio.
Hector Castañeda es Doctor en Astrofísica. Actualmente trabaja en el proyecto del instrumento OSIRIS para el Gran Telescopio Canarias.

Este artículo fue publicado en el sitio Caosyciencia.com.

El trailer de la próxima película de Batman, The Dark Knight, en el que aparece el recientemente fallecido Heath Ledger en su rol de un demente y deforme Joker. Christian Bale seguirá siendo Batman, Michael Caine será Alfred y estará Gary Oldman como el Comm. Gordon. El papel de Rachel Dawes (que antes hizo Katey Holmes) estará a cargo ahora de Maggie Gyllenhaal.

Aquí la tenés, apareció la primera “cola” de la próxima peli de Star Trek, la número 11, dirigida por JJ Abrams y con Chris Pine como un joven James T Kirk, Simon Pegg como el joven ingeniero Montgomery Scott y Winona Ryder como la mamá de Spock, responsable de la mitad humana del vulcano.

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Este corto empieza con la imagen de un Enterprise en construcción y termina con la voz del viejo Spock (o sea, de Leonard Nimoy) profiriendo aquellas solemnes palabras: “El espacio, la frontera final”. Un cartel “Under Construction” te avisa que en cualquier momento hay más.

Y sí, no podemos evitar ponernos ansiosos. Hasta diciembre falta muuuuucho…

Excepto por una serie de 1987 (con Sam Jones, aquel Flash Gordon con música de Queen y Nana Visitor, nuestra Kyra Neris) y un serial de los ’40 (que se conoció como The Masked Marvel porque los productores no terminaron de ponerse de acuerdo con el creador), la genial invención de Will Eisner no había visto la luz de la pantalla.

The Spirit, ese policía llamado Denny Colt, que fingió su propia muerte y reapareció como un enmascarado de sombrero y piloto, está en plena producción cinematográfica, prevista para enero del 2009. Según Comingsoon.net, el cast está integrado, entre otros, por Gabriel Macht como The Spirit/Denny Colt, Sarah Paulson como Ellen Dolan y Dan Lauria como el comisario Dolan. Actúan también Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson y Eva Mendes.

Pero lo que transforma verdaderamente en noticia la filmación de Will Eisner’s The Spirit (así se va a llamar) es que el director y guionista es Frank Miller. Eso significa dos cosas; la primera, que se va a filmar en el todo de historieta con que se hizo Sin City (todo con pantalla verde y fondos y efectos digitales) y la segunda, que seguramente va a ser más oscuro y violento que el original de Eisner.

Sólo viendo el poster, que tenés ahí arriba, podés darte cuenta.

El sitio oficial está acá.

Persépolis, de Marjane Satrapi es un best-seller en Europa. La obra autobiográfica habla de una chica que crece en plena Revolución Islámica. Ahora llega la versión cinematográfica.

Por: Maricel Chavarría

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Cómics y películas animadas se perfilan como eficientes soportes para desgranar historias con inevitable denuncia feminista. Si en Japón triunfan las viñetas de Hataraki Man,cuya heroína lucha por lograr el reconocimiento laboral en una cultura empresarial dominada por hombres, en Europa lo hace Persépolis,el célebre cómic autobiográfico de la francoiraní Marjane Satrapi (Rasht, Irán, 1969), cuya versión cinematográfica introduce al gran público en un nuevo enfoque del debate sobre el velo, sacando a la luz la cotidianidad de las mujeres que se rebelan contra la obligación de llevarlo.

“Persépolis nos permite cambiar nuestra perspectiva respecto a ciertos radicalismos, como la visión que tenemos de los musulmanes, que parece que todos tengan que ser integristas, y también respecto al velo: nos recuerda que no todas lo llevan y que no en todos esos países se ha llevado siempre”. Quien así habla es Anna Guerrero, presidenta en Barcelona de la organización francesa Ni Putes ni Submises. Se refiere a esa visión de una familia liberal y culta iraní que resiste frente al sha para verle luego sustituido por Jomeini. “Tengo la sensación – prosigue Guerrero- de que en nuestro país la gente no sabe que en el mundo árabe hay lucha feminista. Una estudiante me consultó para un trabajo de investigación y se sorprendió cuando le dije que allí existen movimientos contrarios al velo. Eso es lo positivo de Persépolis:nos recuerda que en Irán las mujeres no lo llevaban durante muchos años y que fue la revolución la que les obligó a ponérselo”.

La historieta narra cómo Marjane trata desde su niñez de conquistar espacios de libertad en un Irán convertido en República Islámica. Su mirada feminista es tranquila y honesta: sencillamente, algo no encaja en aquella sociedad. “El velo nos hace libres – les dice en una viñeta a sus alumnas la maestra de Marjane-, nos preserva de la mirada de los hombres”.

Treinta mil ejemplares vendidos en Francia en sólo un año y todo un best seller entre la juventud de Catalunya, el cómic transmite desde la primera viñeta la idea de que hay lugar para la resistencia. La adaptación en dibujos al cine – encumbrada en Cannes y designada por Francia como aspirante al Oscar- esparce esa misma idea sobre un público más amplio. Persépolis ha sido uno de los productos inusuales de la cartelera navideña; pronto saldrá en DVD y los pósters arrasan en las tiendas. ¿La clave? La lucidez de Marjane, que se mueve en un mundo dual, entre guardianes de la revolución que la increpan durante su inquieta pubertad – “no puedes correr, se te mueve el culo de manera impropia”- y un mercado negro de alcohol, fiestas privadas y pop que se vende a susurros por discretas esquinas: Estivi Vonder,Bee Jees,Julio Iglesias, Pink Floyd, Jickael Mackson.

A la discusión en Occidente sobre el velo le convenía cierta dosis de realidad procedente de los países islámicos para poder observar que no todo pivota entre una debida tolerancia hacia las musulmanas que quieren llevarlo y la necesidad de garantizar espacios libres de signos religiosos: se trata también de proporcionar a las mujeres la posibilidad de romper con sus supuestas obligaciones de decencia. La Vanguardia ha contrastado el mensaje de Persépolis con la profesora de estudios árabes e islámicos Dolors Bramon, quien alaba de la historieta que “refleja cómo algo como el velo puede imponerse de forma estúpida”.

En Ser dona i musulmana (Cruïlla, 2007) Bramon analiza la situación de las mujeres en las tradiciones islámicas y concluye que la palabra de Dios según el Alto Corán era en el siglo VII revolucionaria: ¡reconocía por primera vez que la mujer también tenía alma! Sin embargo, el texto estuvo sujeto a interpretaciones patriarcales, de ahí la supuesta obligación del velo.

“El velo – asegura Bramon- no es religión, es básicamente cultura, y últimamente reacción contra una avasalladora cultura occidental respecto a la inmigración. Estoy preocupada porque aumenta su uso y es difícil hacer cambiar de opinión a quien quiere ponérselo”. Contraria a prohibirlo, Bramon recuerda que en países árabes, muchas abuelas y madres que no lo habían llevado en su vida empiezan a verlo en sus nietas e hijas. “Lo he visto en Jordania, donde pasé el verano del 80″, asegura.

Si en los años 50 las jóvenes marroquíes, argelinas y tunecinas lo habían abandonado casi por completo, la caída del muro acentuó las diferencias con la religión y la cultura islámicas, lo que originó, señala Bramon, una doble reacción: la reivindicación de sus tradiciones y de su condición religiosa por medio del velo y un rechazo a la imposición de los modelos de la cultura occidental. “En Barcelona y Madrid se ven unos tapamientos… – advierte-; y también lo fomentan las comunidades islámicas. Hay rumores fundados de que existen premios en metálico para las familias de las que van tapadas. ¡Eso no es libertad!”.

Al final de sus clases, esta doctora en Filología Semítica felicita a las musulmanas por no llevar el velo. No las puede distinguir del resto de las universitarias, pero le constan en su lista. En su opinión, las inmigrantes se lo quitarán a medida que se culturicen. “Leerán el Corán con un criterio propio y verán que no están obligadas.
Artículo publicado en Revista Ñ online.

 Vincent (1982) es el primer cortometraje dirigido por Tim Burton, utiliza la técnica de animación stop-motion y narra la historia de un niño llamado Vincent. Vincent es tranquilo y obediente, y en sus fantasías sueña con ser su idolatrado Vincent Price, uno de los intérpretes de terror más admirados y respetados de la historia del séptimo arte. El personaje del niño está basado en el propio Burton, quien desde pequeño admiraba a Vincent Price. El niño es descrito por la voz del narrador, que es el auténtico Vincent Price, utilizando rimas que rinden claro homenaje a Edgar Allan Poe.

Vincent está basado en un poema que Burton escribió al estilo de los cuentos del Dr Seuss (“How the Grinch stole Christmas”, entre otros) mientras trabajaba para la factoría Disney. Burton no estaba a gusto en Disney durante esta época porque allí no le permitían desarrollar sus ídeas, pero consiguió unir al animador Rick Heinrichs, al animador de muñecos Steven Chiodo y al cámara Victor Abdalov durante dos meses para darle forma a la poesía.

En el corto se pueden apreciar ideas que posteriormente podrán ser vistas en más trabajos de Burton. Por ejemplo los experimentos con animales (Frankenweenie y Mars Attacks!), el personaje solo e incomprendido (Muy presente en casi todas sus películas y que aquí es más que en ninguna otra el propio Burton) y la estética general (Beetlejuice y Pesadilla antes de Navidad).

Vincent Price recitó la poesía para el corto y más tarde mantuvo una amistad con el director Burton que se materializó en una colaboración para Eduardo Manos de tijeras (y un documental inacabado filmado por Burton titulado Conversations with Vincent. Price murió en 1993).

El cortometraje fue proyectado durante dos semanas en un cine de Los Ángeles junto con la película Tex y consiguió ganar varios premios. El cortometraje acabó en los archivos de la Disney dado que no sabían que hacer con él. Se trataba de un corto de 6 minutos en blanco y negro que no tenía más mercado que el formato de los festivales de animación. Más tarde se recuperó para proyectarlo con “Pesadilla antes de Navidad” e incorporarlo en el DVD de la misma.

Fuente: Wikipedia

El amigo y co-trekkie (¿se dirá así?) Sergio Marino (Ferengi) me mandó esta noticia:
“Bueno, siguen los nombres confirmados o a punto de confirmarse para Star Trek (2008) (ya no se puede decir Star Trek 11, porque se llamara solo Star Trek).

“Si alguien vio Huff o Taken, reconocerán a Anton Yelchin. Hacía del pibe medio extraterrestre en Taken, y del hijo de Hank Huff Azaria en Huff. Es, a mi gusto particular, un excelente actor de solo 18 años.
“Según Hollywood Reporter, que dicho sea de paso fue la primer fuente en anunciar la nueva película hace casi 2 años, Anton Yelchin va a interpretar a Chekov. Lo mas interesante es que el actor, a pesar de haber vivido toda su vida en EEUU, es nacido en Rusia.”
Así que de a poco se van llenando los casilleros